„Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir?“ von Paul Gauguin — Geschichte, Analyse & Wo zu sehen

Gauguins existenzielles Meisterwerk

Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir? ist das größte und ambitionierteste Gemälde von Paul Gauguin, entstanden in einer Zeit tiefgreifender persönlicher Krise auf Tahiti. Mit einer Breite von fast 3,75 Metern ist diese monumentale Leinwand eine umfassende Meditation über den Kreislauf des menschlichen Lebens — von der Geburt bis zum Tod — dargestellt in der reichen, gesättigten Farbpalette und den verflachten Formen, die den Postimpressionismus definieren.

Gauguin betrachtete dieses Gemälde als sein ultimatives künstlerisches Testament. Er behauptete, im Dezember 1897 in einem fieberhaften Energieschub daran gearbeitet zu haben, mit der Absicht, es als sein letztes Werk vor einem geplanten Selbstmordversuch zu vollenden. Ob die dramatische Hintergrundgeschichte vollständig wahr ist oder nicht, das Gemälde gilt als eine der philosophisch ambitioniertesten Leinwände der westlichen Kunst und stellt die drei grundlegenden Fragen der menschlichen Existenz direkt in seinem Titel.

Die Geschichte hinter dem Gemälde

Bis 1897 lebte Gauguin auf Tahiti bei sich verschlechternder Gesundheit und tiefer finanzieller Not. Er hatte Frankreich 1895 dauerhaft verlassen, auf der Suche nach einer Flucht vor der europäischen Zivilisation und ihrer vermeintlichen spirituellen Leere. Die Nachricht vom Tod seiner Lieblingstochter Aline im April 1897 stürzte ihn in Verzweiflung, und er beschloss, ein letztes Meisterwerk zu schaffen, bevor er seinem Leben ein Ende setzte.

Gauguin schrieb später, dass er die enorme Leinwand in etwa einem Monat gemalt habe und „Tag und Nacht in einer Art Rausch“ arbeitete. Er verzichtete bewusst auf Vorzeichnungen und malte stattdessen direkt auf die grobe Juteleinwand in einer spontanen, fast visionären Art. Die Komposition liest sich von rechts nach links — eine absichtliche Umkehrung der westlichen Leserichtung — und zeichnet das menschliche Leben von der Kindheit über die Reife bis zum Alter und Tod nach.

Nach Fertigstellung des Gemäldes unternahm Gauguin Berichten zufolge einen Selbstmordversuch durch Einnahme von Arsen, überlebte jedoch. Er schickte die Leinwand dann an seinen Händler Ambroise Vollard in Paris, wo sie 1898 ausgestellt wurde. Das Gemälde erhielt gemischte Kritiken: Einige Kritiker lobten seinen Ehrgeiz und seine symbolische Tiefe, während andere es unverständlich fanden. Gauguin selbst erklärte es für überlegen gegenüber all seinen früheren Werken.

Das Gemälde wechselte mehrmals den Besitzer, bevor es 1936 vom Museum of Fine Arts in Boston erworben wurde, wo es eines der gefeiertsten Werke der Sammlung geblieben ist. Es wird heute als krönende Leistung von Gauguins tahitianischer Periode und als Meilenstein der postimpressionistischen Malerei anerkannt.

Künstlerische Analyse: Technik & Stil

Monumentale Frieskomposition

Das Gemälde ist als durchgehender Fries aufgebaut, der an altägyptische oder buddhistische Tempelreliefs erinnert. Von rechts nach links gelesen repräsentiert ein schlafendes Kind die Geburt, zentrale stehende Figuren stehen für die Blütezeit des Lebens, und eine kauernde alte Frau ganz links symbolisiert den nahenden Tod. Dieses Panoramaformat war in Gauguins Werk beispiellos und verleiht der Leinwand eine fast wandgemäldeartige Erhabenheit.

Symbolische Farbpalette

Gauguin verwendete tiefe Blau-, Grün- und Goldockertöne, um eine traumhafte tropische Atmosphäre zu schaffen. Die dominierenden Blautöne im Hintergrund und in den oberen Ecken evozieren sowohl die tahitianische Landschaft als auch ein Gefühl metaphysischen Geheimnisses. Die warmen Goldtöne der Haut der Figuren kontrastieren mit der kühlen Umgebung und lenken die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die menschlichen Formen und ihre symbolischen Gesten.

Cloisonismus und flache Formen

Getreu seinem synthetistischen Ansatz umrandete Gauguin viele Formen mit dunklen Konturen und füllte sie mit relativ flachen Farbflächen — eine Technik, die als Cloisonismus bekannt ist. Diese bewusste Ablehnung des impressionistischen Naturalismus verleiht dem Gemälde eine ikonische, fast dekorative Qualität, die seine Funktion als philosophische Allegorie statt einer realistischen Szene unterstreicht.

Synkretistische Symbolik

Das Gemälde vermischt polynesische, buddhistische und christliche Bildsprache zu einer einzigartigen symbolischen Sprache. Das geheimnisvolle blaue Idol im Hintergrund basiert auf polynesischen religiösen Figuren, während die Haltung der zentralen Figur sowohl an Christus als auch an den Buddha erinnert. Ein weißer Vogel mit einer Eidechse in seinen Krallen spielt auf die Vergeblichkeit von Worten und Vernunft an. Gauguin ließ die Symbolik bewusst offen für Interpretationen und verweigerte eine endgültige Deutung.

Wo man dieses Gemälde sehen kann

Dieses Gemälde ist dauerhaft im Museum of Fine Arts, Boston (MFA) ausgestellt, in der Galerie für europäische Kunst. Das MFA ist eines der umfassendsten Kunstmuseen der Vereinigten Staaten, und diese Leinwand gehört zu seinen wertvollsten Besitztümern.

Das MFA ist von Mittwoch bis Montag geöffnet (dienstags geschlossen). Der allgemeine Eintritt beträgt 27 Dollar für Erwachsene, mit freiem Eintritt für Besucher unter 17 Jahren und ermäßigten Preisen an Mittwochabenden. Die Größe des Gemäldes lässt es am besten aus einigen Metern Entfernung betrachten, damit sich die volle Wirkung der Komposition entfalten kann.

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Interessante Fakten

• Es war als Abschiedsbrief gedacht. Gauguin beabsichtigte dieses Gemälde als seine letzte künstlerische Erklärung, bevor er sich das Leben nehmen wollte. Er überlebte seinen Selbstmordversuch und lebte bis 1903.
• Es ist auf grober Jute gemalt. Da er sich auf Tahiti keine feine Leinwand leisten konnte, malte Gauguin auf grobem Jutesackleinen, das der Oberfläche eine markante Textur verleiht, die aus der Nähe sichtbar ist.
• Der Titel ist auf der Leinwand eingeschrieben. Gauguin malte die drei Fragen auf Französisch in der oberen linken Ecke in goldener Schrift und behandelte den Titel als integralen Bestandteil der Komposition.
• Er arbeitete ohne Vorzeichnungen. Gauguin behauptete, die gesamte 3,75 Meter lange Leinwand ohne jegliche vorbereitende Zeichnungen gemalt zu haben und in einem anhaltenden kreativen Rausch über etwa einen Monat gearbeitet zu haben.
• Es wurde zum Versand aufgerollt. Um die riesige Leinwand von Tahiti nach Paris zu transportieren, musste Gauguin sie aufrollen und per Schiff versenden — eine Reise von mehreren Monaten, die bemerkenswerterweise keinen nennenswerten Schaden verursachte.

Häufig gestellte Fragen

Wo befindet sich „Woher kommen wir?“?

Das Gemälde ist im Museum of Fine Arts, Boston in den Vereinigten Staaten ausgestellt. Es ist seit 1936 in der Sammlung des Museums.

Was bedeutet das Gemälde?

Das Gemälde ist eine Allegorie des menschlichen Lebenszyklus. Von rechts nach links gelesen, schreitet es von der Geburt (ein schlafendes Baby) über Jugend und Reife (die zentralen stehenden Figuren) bis zu Alter und Tod (die kauernde Frau links) fort. Das blaue Idol und verschiedene Tiere fügen Schichten spiritueller und philosophischer Symbolik hinzu, die Gauguin bewusst offen für Interpretationen ließ.

Warum hat Gauguin es gemalt?

Gauguin schuf das Gemälde in einer Phase schwerer Depression nach dem Tod seiner Tochter und sich verschlechternder Gesundheit. Er beabsichtigte es als sein künstlerisches Testament — eine letzte, monumentale Aussage über den Sinn der menschlichen Existenz vor einem geplanten Selbstmordversuch.

Wie groß ist das Gemälde?

Das Gemälde misst 139,1 × 374,6 cm (ungefähr 4,5 × 12,3 Fuß) und ist damit bei Weitem die größte Leinwand, die Gauguin je gemalt hat. Sein friesartiges Format verleiht ihm die Präsenz eines Wandgemäldes.

Welchem Stil gehört das Gemälde an?

Das Gemälde ist ein Schlüsselwerk des Postimpressionismus, genauer gesagt Gauguins synthetistischem Stil, der flache Farbflächen, dunkle Konturen und symbolische Bildsprache aus verschiedenen kulturellen Traditionen kombiniert.

Warum liest sich die Komposition von rechts nach links?

Gauguin kehrte bewusst die westliche Leserichtung von links nach rechts um. Der Lebenszyklus beginnt rechts mit einem Neugeborenen und endet links mit einer älteren Frau, die sich dem Tod nähert, wodurch ein gegen die Gewohnheit verlaufender Fluss entsteht, der zur kontemplativen, nichtlinearen Betrachtung anregt.