« La Vision après le sermon » de Paul Gauguin — Histoire, Analyse & Où le voir

Une rupture dans l’art moderne

La Vision après le sermon, également connue sous le nom de La lutte de Jacob avec l’ange, est l’une des peintures les plus révolutionnaires du XIXe siècle. Peinte par Paul Gauguin en 1888 pendant son séjour à Pont-Aven, en Bretagne, elle marque une rupture radicale avec l’impressionnisme et contribue à lancer le mouvement synthétiste dans l’art postimpressionniste.

Le tableau représente un groupe de Bretonnes en coiffes blanches traditionnelles qui, après avoir entendu un sermon, font l’expérience d’une vision commune de l’histoire biblique de Jacob luttant avec un ange. En aplatissant la perspective, en utilisant des contours audacieux et en situant la scène sur un champ d’un rouge vermillon impossible, Gauguin brisa les conventions de la peinture naturaliste et ouvrit la voie au symbolisme, au fauvisme et à l’abstraction moderne.

L’histoire derrière le tableau

À l’été 1888, Gauguin vivait dans le village de Pont-Aven en Bretagne, entouré d’une communauté d’artistes. Il était devenu insatisfait de la focalisation de l’impressionnisme sur les apparences de surface et cherchait un style capable d’exprimer l’émotion intérieure, l’expérience spirituelle et la signification symbolique. La culture catholique dévote de la Bretagne rurale, avec ses traditions populaires et ses costumes distinctifs, fournit le sujet idéal.

Le tableau fut directement inspiré par la dévotion religieuse intense des Bretonnes. Gauguin les représenta comme venant de quitter un office où le prêtre avait raconté l’histoire de la Genèse 32 de Jacob luttant avec un ange mystérieux. La vision des femmes — qu’il s’agisse d’une véritable expérience mystique ou d’un produit de l’imagination collective — apparaît dans la partie supérieure droite de la toile, séparée du monde « réel » par un tronc d’arbre diagonal.

Gauguin fut également profondément influencé par les estampes japonaises sur bois, en particulier les contours audacieux, les aplats de couleur et les dispositifs compositionnels inhabituels d’artistes comme Hiroshige et Hokusai. Les lutteurs du tableau furent directement inspirés par des illustrations d’un manuel de sumo japonais. Cette synthèse d’un sujet religieux occidental et de principes esthétiques orientaux était sans précédent.

Gauguin proposa initialement le tableau à l’église locale de Nizon, près de Pont-Aven, mais le curé le refusa — trouvant peut-être son style trop radical. Le tableau passa ensuite entre plusieurs collections privées avant d’entrer à la National Gallery of Scotland à Édimbourg en 1925, où il reste l’un des trésors les plus précieux de la galerie.

Analyse artistique : technique et style

Le fond rouge vermillon

La caractéristique la plus frappante du tableau est le champ plat de rouge vermillon intense qui domine l’arrière-plan. Ce choix chromatique non naturaliste était révolutionnaire — le sol n’est clairement pas censé représenter un véritable pré mais plutôt le paysage intérieur de la vision partagée des femmes. Le rouge fonctionne à la fois comme symbole d’intensité spirituelle et comme un dispositif formel audacieux qui aplatit l’espace pictural.

Cloisonnisme et synthétisme

Gauguin a entouré ses formes de contours sombres et marqués et les a remplies de zones de couleur relativement plates, une technique appelée cloisonnisme d’après la technique des émaux cloisonnés. Cette approche, combinée à la synthèse de la réalité observée et de la vision imaginaire, devint le fondement du synthétisme — un style que Gauguin et son collègue Émile Bernard co-développèrent à Pont-Aven.

Division compositionnelle

Un tronc de pommier diagonal divise la toile en deux zones : le monde « réel » des Bretonnes dans la partie inférieure gauche et le monde visionnaire de Jacob et de l’ange dans la partie supérieure droite. Ce dispositif crée une barrière spatiale et conceptuelle entre l’expérience ordinaire et la révélation spirituelle, tout en faisant écho aux stratégies compositionnelles des estampes japonaises.

Influence japonaise

L’influence des estampes ukiyo-e est visible dans tout le tableau : le point de vue en surplomb, le cadrage des personnages sur les bords, les aplats de couleur et la composition en diagonale. Les lutteurs eux-mêmes dérivent des illustrations de lutteurs de sumo dans les carnets Manga d’Hokusai. Gauguin transforma ces figures sportives profanes en une scène biblique, démontrant sa capacité à synthétiser des sources culturelles disparates.

Où voir ce tableau

Le tableau est exposé en permanence à la National Gallery of Scotland à Édimbourg. Il est l’un des points forts de la remarquable collection impressionniste et postimpressionniste de la galerie.

La National Gallery of Scotland est située sur The Mound au cœur d’Édimbourg et offre une entrée générale gratuite. Elle est ouverte tous les jours de 10h00 à 17h00 (jusqu’à 19h00 le jeudi). Le Gauguin est accroché dans les galeries d’art européen aux côtés d’œuvres de Monet, Cézanne et Van Gogh.

Si vous utilisez ArtScan à la National Gallery of Scotland, vous pouvez identifier ce tableau et chaque autre œuvre que vous rencontrez — en obtenant instantanément des informations sur l’artiste, le contexte historique et les détails des techniques utilisées, le tout dans votre langue préférée.

Anecdotes

• Une église l’a refusé. Gauguin proposa le tableau à l’église locale de Nizon en Bretagne, mais le curé le refusa. L’artiste fut paraît-il vexé par ce refus.
• Les lutteurs viennent du sumo. Les figures de Jacob et de l’ange furent directement basées sur des illustrations de lutteurs de sumo japonais tirées des carnets Manga d’Hokusai, que Gauguin possédait.
• Il provoqua une querelle. Le collègue artiste de Gauguin, Émile Bernard, prétendit avoir inventé le style cloisonniste le premier et accusa Gauguin de lui avoir volé ses idées. Le différend endommagea définitivement leur amitié.
• Les coiffes sont authentiques. Les coiffures blanches distinctives portées par les femmes sont de véritables coiffes bretonnes, des couvre-chefs régionaux traditionnels qui variaient d’un village à l’autre et indiquaient le statut matrimonial et la position sociale de celle qui les portait.
• Il a changé l’histoire de l’art. Les historiens de l’art considèrent ce tableau comme un moment charnière dans la transition de l’impressionnisme à l’art moderne. Son rejet du naturalisme a directement influencé les Nabis, les Fauves et finalement les expressionnistes.

Questions fréquentes

Où se trouve La Vision après le sermon ?

Le tableau est exposé à la National Gallery of Scotland à Édimbourg, au Royaume-Uni. Il fait partie de la collection depuis 1925.

Que représente le tableau ?

Le tableau montre un groupe de Bretonnes en coiffes blanches traditionnelles vivant une vision collective de l’histoire biblique de Jacob luttant avec un ange (Genèse 32). Les femmes du monde « réel » et la scène visionnaire sont séparées par un tronc d’arbre diagonal.

Pourquoi le sol est-il rouge ?

Le sol rouge vermillon est un choix délibérément non naturaliste. Il représente l’intensité de la vision spirituelle des femmes plutôt qu’un paysage réel. Cet usage audacieux de la couleur symbolique était révolutionnaire en 1888 et contribua à définir le style synthétiste de Gauguin.

Qu’est-ce que le synthétisme ?

Le synthétisme est un style postimpressionniste développé par Gauguin et Émile Bernard à Pont-Aven, en Bretagne. Il synthétise l’observation du monde extérieur par l’artiste avec l’émotion et l’imagination intérieures, à l’aide de formes simplifiées, de contours audacieux et de couleurs non naturalistes.

Comment le tableau a-t-il été influencé par l’art japonais ?

Gauguin a emprunté plusieurs stratégies compositionnelles aux estampes japonaises ukiyo-e : le point de vue en surplomb, les personnages recadrés, les aplats de couleur et la composition en diagonale. Les lutteurs sont basés sur des illustrations de sumo tirées des carnets Manga d’Hokusai.

À quel mouvement appartient ce tableau ?

Le tableau est une œuvre clé du postimpressionnisme, plus précisément des sous-mouvements synthétiste et cloisonniste. Il est largement considéré comme un tournant dans le développement de l’art moderne.